Акварели Невской
Волны

Каталог статей
Меню сайта


Категории каталога
Об авторе [4]
Константин Кузема*А.Раскин о выставке*Н. Озерова о выставке
Мои статьи и рассказы [50]
Статьи по акварельной технике*Пленэрные истории*Мой путь в акварель
Статьи по акварели от Общества кварелистов СПб. [10]
Вне акварели [6]


Форма входа


Поиск


Друзья сайта
Евгений Кисничан

Лев Каплан





    ArtNow - продажа картин




Онлайн всего: 4
Гостей: 4
Пользователей: 0
Приветствую Вас, Гость · RSS 2017-11-23, 11:19 PM
Главная » Статьи » Статьи по акварели от Общества кварелистов СПб.

Стихия воды и краски. (часть 7)

©Елена БАЗАНОВА, 2008

______________________________________________________________________________________________________________

 

СТИХИЯ ВОДЫ И КРАСКИ (часть 7)

(в начало)

(к предыдущей части)



...Материальность изображаемых предметов

 

Немалую трудность в живописи акварелью составляет передача материальности изображаемых объектов, особенно если живописец пользуется каким-либо одним заученным техническим приемом. Механичность применения одной манеры письма навевает сравнение с фильтром компьютерной программы, наложенным на фотографию. Такой подход ограничивает творческие возможности в трактовке формы и материальности.

И наоборот, если автор исходит из сути изображаемого объекта, то сама его природа и характер подсказывают оригинальное решение в поиске и применении различных технических приемов. Невозможно одним и тем же приемом передать материальность гладкого шелка и мягкого бархата, блестящего металла и старого дерева, прозрачного стекла и мятой бумаги. Богатство фактур осязаемого мира должно вдохновлять художника на творческие эксперименты.

 

В качестве иллюстрации, снова приведу пример из своей работы над «Натюрмортом с тыквами».

      

Илл.7. Чтобы написать стакан с водой, я должна была постоянно комбинировать живопись по-мокрому (с помощью увлажнения фрагментов), лессировки и сухую кисть. Казалось бы, я использовала те же приемы, что и ранее, но все оказалось сложнее. Здесь очень много взаимосвязей, которые необходимо было учитывать:

– особенности формы стеклянного стакана, наполненного водой, создающей оптическую игру света,

– в стакане видна горизонтальная поверхность воды, которая «живет» по своим физическим законам,

– стакан стоит на темной деревянной плоскости,

– стекло стакана отражает блики от окна,

– за стаканом воды видна тыква и плотная тень на ее боку,

– побег тыквы, который стоит в стакане и виден нам через линзу воды.

И только учитывая все вышеперечисленные факторы, можно было передать материальность стекла, воды и окружающих предметов.

 

Детализация и обобщение

 

Старый академический принцип «от целого к частному, от частного к целому» означает, что недопустимо увлекаться разработкой отдельных деталей, забывая о всей работе в целом. Необходимо избегать дробности, тогда ваша акварель не рассыплется на мозаику из отдельных кусочков.

В работе над материальностью и деталями проявляются наблюдательность, терпеливость мастера и его художественный вкус. Начало в акварельной живописи почти всегда бывает легким, красивым, интригующим. Вам кажется, что краска подчиняется вашей воле, вы «держите пятно», владеете формой, и все у вас получается. Но наступает период работы над деталями. Это, пожалуй, самый увлекательный и в тоже время сложный процесс, когда необходимо постоянно контролировать себя, чтобы не забывать о целостном восприятии всей работы. Чувство меры – очень важное качество для художника. Чрезмерное увлечение деталями может стать губительным на завершающем этапе. Чтобы избежать излишней детализации, надо найти в себе достаточно смелости, жертвуя, возможно, даже очень красивыми кусками, двигаться по пути больших обобщений к завершению работы. Важно всегда помнить, что вы пишете не объект, а его образ. Этот заключительный момент в живописи должен быть не менее эмоциональным, чем начало работы.

 

Илл.8. Попробую более подробно описать работу над одной деталью.

На примере живописи тыквенного листа постараюсь показать, как можно «месить цвет», лепить объем с помощью различных эффектов и приемов.


8.1. Увлажняю пятно зеленого листа и, насыщая тон и цвет, начинаю моделировать форму листа.

8.2. «Беру» зеленый цвет в «полную силу».

8.3. Подсушиваю феном. В процессе высыхания краска продолжает движение и плавно растекается по мокрой плоскости бумаги.

8.4. Формируя свет на тыквенном листе, «вливаю» слабый светлый оттенок зеленого, насыщенного водой, и вода с раствором краски начинает вытеснять темный цвет.

8.5. Оттенком желтого формирую плоть листа, где она видна на просвет.

8.6. Тут же моделирую темно-зеленые переходы, формируя тень собственную и падающую, акцентирую сломы формы и границы теней.

8.7. Не давая полностью высохнуть листу, «списываю» его с фоном, создавая мягкие касания форм.

 

8.8. Краска «живет» и «движется» на невысохшей плоскости. И я снова и снова усложняю форму новыми цветовыми решениями. Тонкой кистью добиваюсь изящества в контуре листа, подчеркивая желтым цветом свечение листа против света.

8.9. Когда живописная поверхность почти подсохла, тонкой кистью я выполняю прожилки на тыквенном листе.

8.10. Широкой кистью обостряю свет. Для этого я снова пользуюсь эффектом вытеснения краски, буквально, «капаю» небольшое количество воды с добавлением кобальта, чтобы свет стал холодным. Контролирую растекание краски и «подбираю» лишнюю влагу отжатой кистью.

8.11. Плоскость все более подсыхает, позволяя постепенно конкретизировать особенности фактур тыквенного листа. Тонкой кистью, моделируя свет и тень, создаю сложную форму листа.

8.12. После высыхания живописи усложняю фактуры листа, «оттачиваю» тональные и цветовые переходы.


 

Последовательность ведения работы

 

Неопытный художник часто задается вопросом: с чего лучше начать писать акварель, с фона или изображения предметов, с первого плана или со второго?

Если в работе решается проблема пространства, то неизбежно придется выстраивать изображение в свето-воздушной перспективе, используя изобразительные планы. Наиболее наглядный пример – это ландшафтная живопись. Обычно в пейзаже работа начинается с живописи третьего, дальнего, плана, и тогда пишется небо, плавно переходящее через линию горизонта к земле, ко второму плану. Затем разрабатывается тонально насыщенный первый план, и начинается работа над деталями.

В портрете работа обычно начинается с главного – с живописи головы. Затем постепенно переходит к разработке фона.

В натюрморте можно начать с темного фона, то есть третьего плана, затем вписывать в него предметы. Однако вопрос первоочередности становится решающим для качества работы, если изображаются объекты живой природы, жизнь которых быстротечна и изменчива. Это может быть бутон лилии, раскрывающийся на ваших глазах, цветы и листья, которые быстро увядают, или свежая плоть разломленного персика, теряющая свою сочность. Если вы не успеете написать что-то важное с натуры, то потом даже фотография, сделанная в качестве шпаргалки, не сможет вернуть очарования и свежести первого эмоционального восприятия. Только хорошая зрительная память, знание объекта изображения и накопленный опыт смогут помочь художнику в такой ситуации.

 

Для примера приведу свою работу «Натюрморт с красной смородиной».

     

    



Илл.9: Игра света, увиденная в листьях красной смородины, могла быть передана легко и свежо только с натуры. Поэтому листья пришлось писать в первую очередь, они завяли очень быстро, в течение трех часов. Затем я писала красные ягоды смородины, которые уже на второй день начали терять свечение живой плоти. Также для меня было очень важно сразу же взять в полную силу глубину красного тона в тени. И уже в последнюю очередь я писала фон.

 

Но невозможно дать универсальный «рецепт» живописи для любой работы. Каждая новая работа преподносит художнику новые, часто неожиданные задачи.

 

Так в чем же кроется «тайна» акварели?

 

Есть ли на самом деле «секреты», о которых часто спрашивают любители и поклонники этой дивной техники?

Предприняв попытку короткого экскурса в историю акварельной живописи, я хотела показать, что теоретические знания техники сами по себе очень важны, но не являются какими-то особыми секретами, известными только избранным профессионалам, совсем другое дело – умение комбинировать эти знания на основе личного опыта.

Как удается виртуозно написать сложнейшую работу в короткое время?

Можно часами сидеть перед завершенной работой, пытаясь понять, как родилась та или иная удача. Ясно, что успех кроется не в простом наборе технических достижений. Иногда бывает невозможно повторить собственные удачи.

Я не случайно одухотворяю технику акварели, нахожусь в диалоге с ней и сравниваю ее со стихией, которую приходится покорять. Для меня высшим наслаждением в работе является достижение «единения» с техникой. Когда начинаешь жить в ее пространстве, чувствовать ее, только тогда удаются самые немыслимые затеи и все приходит, кажется, само собой – и неожиданные решения, и необычные приемы. Начиная сеанс живописи, я стремлюсь сознанием проникнуть в «живописное тесто», потому что в начале работы происходит самое сложное: закладываются тональные, цветовые отношения. Именно в этот момент необходимо особенно тонко чувствовать и контролировать влажность на всем пространстве рабочего листа, независимо от его размера. Все события во время работы переживаются эмоционально: и удачно положенный мазок, и затек краски, и необычный акварельный эффект, полученный в результате непостижимого для логики стечения обстоятельств.

Можно сказать, что все «случайности» возникают, когда мастер, двигаясь по намеченному сценарию, уверенно «лепит» пространство и творит живопись, не думая об эффектах как таковых. При этом необходима большая концентрация внимания. Увлекаясь восторженными переживаниями акварельных эффектов, нельзя терять задуманный образ. Потерю образа или его отсутствие можно обозначить как «безобразность», что по сути есть «безобразность». Создание образа – это смысл работы художника. Картина должна увлекать зрителя так, чтобы ему хотелось долго рассматривать ее, думать, погружаясь в ее внутреннее пространство, поддаваясь ее магии. Важно не только то, что вы видите, но гораздо важнее то, что вы чувствуете. Это некая реальность в ощущениях. И если это «послевкусие» от увиденной картины остается у зрителя, значит, художник достиг результата, и работа состоялась.

Самый главный «секрет» акварели – это страстное желание достичь результата. Художник, так же как и спортсмен, начавший забег на марафонскую дистанцию, должен думать о достижении цели, не страшась долгого пути.

Испуг, полученный от неудачного результата, надо превращать в полезный опыт ошибок, который в будущем будет компенсироваться радостью владения техникой. Надо только много трудиться и экспериментировать – дорогу осилит идущий.

 

                                                                                                                                      Май 2008

 

 ©Елена БАЗАНОВА, 2008

__________________________________________________________________________________

(хочу ещё статьи по акварели)

Категория: Статьи по акварели от Общества кварелистов СПб. | Добавил: kuzema (2009-07-18) | Автор: Базанова Елена Серафимовна
Просмотров: 15743 | Комментарии: 6
Всего комментариев: 6
0
6  
Низкий поклон за предоставленную статью.

5  
Отличная! статья, Спасибо.

4  
молодца!!!

3  
Большое спасибо, интересно, познавательно, наглядно...

2  
Замечательная статья, большое спасибо Елене и Вам, Константин!

1  
Спасибо, Вам, Константин, за помещение статьи на сайт.
Ну а Елене - за замечательную, достаточно подробную, интересную со всех точек зрения, статью!


Имя *:
Email *:
Код *:
Создать бесплатный сайт с uCoz