Последовательность ведения работы

Неопытный художник часто задается вопросом: с чего лучше начать писать акварель, с фона или изображения предметов, с первого плана или со второго?

Если в работе решается проблема пространства, то неизбежно придется выстраивать изображение в свето-воздушной перспективе, используя изобразительные планы. Наиболее наглядный пример – это ландшафтная живопись. Обычно в пейзаже работа начинается с живописи третьего, дальнего, плана, и тогда пишется небо, плавно переходящее через линию горизонта к земле, ко второму плану. Затем разрабатывается тонально насыщенный первый план, и начинается работа над деталями.

В портрете работа обычно начинается с главного – с живописи головы. Затем постепенно переходит к разработке фона.

В натюрморте можно начать с темного фона, то есть третьего плана, затем вписывать в него предметы. Однако вопрос первоочередности становится решающим для качества работы, если изображаются объекты живой природы, жизнь которых быстротечна и изменчива. Это может быть бутон лилии, раскрывающийся на ваших глазах, цветы и листья, которые быстро увядают, или свежая плоть разломленного персика, теряющая свою сочность. Если вы не успеете написать что-то важное с натуры, то потом даже фотография, сделанная в качестве шпаргалки, не сможет вернуть очарования и свежести первого эмоционального восприятия. Только хорошая зрительная память, знание объекта изображения и накопленный опыт смогут помочь художнику в такой ситуации.

Для примера приведу свою работу «Натюрморт с красной смородиной».

Илл.9: Игра света, увиденная в листьях красной смородины, могла быть передана легко и свежо только с натуры. Поэтому листья пришлось писать в первую очередь, они завяли очень быстро, в течение трех часов. Затем я писала красные ягоды смородины, которые уже на второй день начали терять свечение живой плоти. Также для меня было очень важно сразу же взять в полную силу глубину красного тона в тени. И уже в последнюю очередь я писала фон.

Но невозможно дать универсальный «рецепт» живописи для любой работы. Каждая новая работа преподносит художнику новые, часто неожиданные задачи.

Так в чем же кроется «тайна» акварели?

Есть ли на самом деле «секреты», о которых часто спрашивают любители и поклонники этой дивной техники?

Предприняв попытку короткого экскурса в историю акварельной живописи, я хотела показать, что теоретические знания техники сами по себе очень важны, но не являются какими-то особыми секретами, известными только избранным профессионалам, совсем другое дело – умение комбинировать эти знания на основе личного опыта.

Как удается виртуозно написать сложнейшую работу в короткое время?

Можно часами сидеть перед завершенной работой, пытаясь понять, как родилась та или иная удача. Ясно, что успех кроется не в простом наборе технических достижений. Иногда бывает невозможно повторить собственные удачи.

Я не случайно одухотворяю технику акварели, нахожусь в диалоге с ней и сравниваю ее со стихией, которую приходится покорять. Для меня высшим наслаждением в работе является достижение «единения» с техникой. Когда начинаешь жить в ее пространстве, чувствовать ее, только тогда удаются самые немыслимые затеи и все приходит, кажется, само собой – и неожиданные решения, и необычные приемы. Начиная сеанс живописи, я стремлюсь сознанием проникнуть в «живописное тесто», потому что в начале работы происходит самое сложное: закладываются тональные, цветовые отношения. Именно в этот момент необходимо особенно тонко чувствовать и контролировать влажность на всем пространстве рабочего листа, независимо от его размера. Все события во время работы переживаются эмоционально: и удачно положенный мазок, и затек краски, и необычный акварельный эффект, полученный в результате непостижимого для логики стечения обстоятельств.

Можно сказать, что все «случайности» возникают, когда мастер, двигаясь по намеченному сценарию, уверенно «лепит» пространство и творит живопись, не думая об эффектах как таковых. При этом необходима большая концентрация внимания. Увлекаясь восторженными переживаниями акварельных эффектов, нельзя терять задуманный образ. Потерю образа или его отсутствие можно обозначить как «безобразность», что по сути есть «безобразность». Создание образа – это смысл работы художника. Картина должна увлекать зрителя так, чтобы ему хотелось долго рассматривать ее, думать, погружаясь в ее внутреннее пространство, поддаваясь ее магии. Важно не только то, что вы видите, но гораздо важнее то, что вы чувствуете. Это некая реальность в ощущениях. И если это «послевкусие» от увиденной картины остается у зрителя, значит, художник достиг результата, и работа состоялась.

Самый главный «секрет» акварели – это страстное желание достичь результата. Художник, так же как и спортсмен, начавший забег на марафонскую дистанцию, должен думать о достижении цели, не страшась долгого пути.

Испуг, полученный от неудачного результата, надо превращать в полезный опыт ошибок, который в будущем будет компенсироваться радостью владения техникой. Надо только много трудиться и экспериментировать – дорогу осилит идущий.

                                                                                                                                      Май 2008

 ©Елена БАЗАНОВА, 2008

__________________________________________________________________________________

(хочу ещё статьи по акварели)